LA

COLECCIÓN

Un recorrido por las salas del Museo del Renacimiento, sus obras y sus temas principales

Recorre las salas

El relato del Museo se articula alrededor de tres temas que son los grandes protagonistas en cada una de las tres plantas: la historia de los Requesens en Molins de Rei, las principales características del arte del Renacimiento y la vida cotidiana en el siglo XVI.
Planta primera
SALA 3
A pesar de la importancia de la cultura clásica y la mitología grecorromana, así como del uso cada vez más habitual de los órdenes clásicos en arquitectura, el arte del Renacimiento seguirá siendo un arte eminentemente cristiano. No en vano estaba en el contexto religioso donde se concentraba el mayor volumen y la necesidad de encargo de obras de arte. En este sentido, uno de los temas representados más habitualmente serán los diferentes episodios de la vida de Cristo.
El arte. Los temas más representados y la circulación de modelos
Anónimo. Escuela flamenca

Anunciación, último cuarto del siglo XV, óleo sobre madera
Depósito del Museo Nacional de Arte de Cataluña, 2023
MNAC 24225
© Museo Nacional de Arte de Cataluña, Barcelona 2024

Esta pintura sobre tabla, de escuela flamenca, muestra una representación de la Anunciación que se desarrolla en el interior de una estancia con grandes ventanales. La joven, que hasta hace poco estaba leyendo, recibe la visita sorprendente e inesperada del ángel Gabriel, que le anuncia la buena nueva de su embarazo, al que ella responde con un gesto de serena aceptación, con la mano sobre el pecho. La pintura probablemente formaba parte de un conjunto con la siguiente obra, de dimensiones, formato y estilo idénticos.

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Anónimo. Escuela flamenca

La Visitación, último cuarto del siglo XV, óleo sobre madera
Depósito del Museo Nacional de Arte de Cataluña, 2023
MNAC 24266
© Museo Nacional de Arte de Cataluña, Barcelona 2024

Uno de los episodios inmediatamente posteriores a la Anunciación es el de la Visitación. Cuando la joven María, conocedora de la noticia de su embarazo, fue a visitar a su prima Isabel, también embarazada por intervención divina. El encuentro de ambas en un espacio abierto en medio del pueblo prefigura, de algún modo, el encuentro entre Jesús y su primo, Juan Bautista. María permaneció tres meses con su prima, hasta el nacimiento de su hijo.

Mestre de Pau i Bernabeu

Epifanía, entre 1530-1540, óleo sobre madera
Depósito del Museo Nacional de Arte de Cataluña, 2023
MNAC 64104
© Museo Nacional de Arte de Cataluña, Barcelona 2024

En sentido estricto, desde el punto de vista etimológico, una epifanía es una manifestación, la visualización de una presencia, de una verdad de orden superior. Según el Nuevo Testamento, el nacimiento de Jesús y la posterior llegada y adoración de tres reyes o sabios de Oriente significó el reconocimiento del nacimiento del mesías. La escena presenta una composición rica y compleja, con abundancia de elementos arquitectónicos clasicistas, muchos derribados. Es significativa la aparición volante de la figura de Dios, muy semejante a la misma figura pintada en posición muy similar por Miguel Ángel en el techo de la Capilla Sixtina de Roma.

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Anónimo (seguidor de Hans Memling)

Virgen de la Leche, hacia 1500, óleo y dorado sobre madera
Depósito del Museo Nacional de Arte de Cataluña, 2023
MNAC 64100
© Museo Nacional de Arte de Cataluña, Barcelona 2024

Este tipo de representación de la Virgen María amamantando a su hijo fue muy popular en la etapa final del Gótico y también durante el Renacimiento. No obstante, a partir del Concilio de Trento, en 1563, esta representación de la Virgen se restringió considerablemente por motivos de pudor, para no mostrar su pecho descubierto.

Anónimo

Virgen con el Niño («Madonna di Trapani»),
segunda mitad del siglo XVI, madera policromada
Depósito del Museo Nacional de Arte de Cataluña, 2023
MNAC 5229
© Museo Nacional de Arte de Cataluña, Barcelona 2024

Trapani es una ciudad siciliana que fue muy famosa, precisamente, por la difusión de una imagen de la Virgen con el Niño, del siglo XIV, que acabó generando una iconografía propia. En este caso se trata de una obra en madera policromada, fácilmente identificable, entre otras cosas, por las dos figuras, la relación de afecto que las une y también por los dos pliegues característicos, paralelos, que la túnica forma a un lado.

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Círculo de Luis de Morales (El Divino)

Cristo con la Cruz, entre 1560-1565, óleo sobre madera
Depósito del Museo Nacional de Arte de Cataluña, 2023
Colección de la Real Academia Catalana de Bellas Artes de Sant Jordi
depositada en los Museos de Barcelona en 1906
MNAC 11549
© Museo Nacional de Arte de Cataluña, Barcelona 2024

Luis de Morales fue un pintor español nacido en Badajoz. Su pintura, con figuras alargadas y delicadas modulaciones del color y de las sombras, aplicaba la técnica del esfumado que había iniciado Leonardo da Vinci, y tuvo una gran popularidad. Debido a este gran éxito y a la temática religiosa de sus obras, se le conoció en vida con el nombre de El Divino Morales.

Anónimo. Valencia

Descenso de la cruz, entre 1450-1460, óleo sobre madera
Depósito del Museo Nacional de Arte de Cataluña, 2023
MNAC 64093
© Museo Nacional de Arte de Cataluña, Barcelona 2024

Esta pintura es muy interesante desde el punto de vista estilístico. Las figuras se distribuyen en el espacio pictórico de una forma muy pensada, aprovechando el eje de simetría que generan la cruz y las dos escaleras, en el momento justo de descender el cuerpo de Jesús. La representación minuciosa de los detalles y la abertura en el fondo de un paisaje que se pierde en la línea del horizonte, así como las vestiduras, los rostros de los personajes y el dramatismo de algunos de ellos son una buena muestra de la gran calidad pictórica de esta pieza.

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Anónimo. Cataluña

Flagelación de Cristo, 1585, óleo sobre madera
Depósito del Museo Nacional de Arte de Cataluña, 2023
MNAC 37754
© Museo Nacional de Arte de Cataluña, Barcelona 2024

El curioso formato horizontal de esta pintura sobre tabla se explica por el hecho de que, en origen, servía para decorar la parte frontal de un altar. La escena de la Flagelación de Jesús transcurre en el interior de un espacio de aire sencillo pero clásico, dominado por los tonos metálicos de algunas vestiduras y por el tratamiento de las figuras y anatomías, de calidad desigual. Procede de la iglesia barcelonesa de Santa María del Pi, concretamente de la capilla de San Miguel, propiedad del antiguo Gremio de Revendedores de la ciudad. Su emblema, junto con la fecha, aparece en los laterales de la pieza.

Anónimo. Cataluña

Medida para fruta seca, metal y madera, 1572
Museo de Historia de Barcelona
MHCB 2933

Esta cuartea, muy similar a la que aparece representada en la pintura de la flagelación, es un elemento de medida para la compra y venta de frutos secos. Las cuarteas o medidas eran instrumentos muy habituales en la época y estaban supeditados a una legislación estricta para evitar malas prácticas. Puede apreciarse claramente el escudo de la ciudad de Barcelona, que certificaba su oficialidad.

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Anónimo. Aragón

Tríptico con la Lamentación sobre Cristo muerto, entre 1510-1550, oli i daurat sobre fusta
Depósito del Museo Nacional de Arte de Cataluña, 2023
MNAC 64106
© Museo Nacional de Arte de Cataluña, Barcelona 2024

Cuando se cierran las puertas, en el exterior se puede contemplar una escena pintada en grisalla: la Expulsión del Paraíso. Es significativo que esta composición copie literalmente un grabado del mismo tema de Alberto Durero, uno de los grandes artistas del Renacimiento. En este sentido, cabe destacar la importancia que tuvieron los grabados en la circulación y difusión de los modelos renacentistas en toda Europa en general y en Cataluña en particular.

Alberto Durero

La Virgen venerada por ángeles y santos, c. 1505, xilografía
Museu de Lleida – Depósito Antoni Gelonch
GE-200

Esta obra pertenece a una serie de dieciséis grabados dedicada a la vida de la Virgen y realizada entre los años 1500 y 1511. Dürer representa aquí a la Virgen María con el niño Jesús rodeada de santos y ángeles que la adoran, en una clara alusión a la importancia de su figura. Este era un tema delicado, objeto de discusión habitual en las disputas entre católicos y protestantes en el siglo XVI. La escena tiene lugar en el interior de una compleja arquitectura de aire clásico, que enmarca y ordena el espacio con un buen dominio de la perspectiva lineal, una de las grandes novedades de la pintura renacentista. En primer término, una prolongación ilusionista de este espacio acoge una disposición anecdótica de diversas figuras y elementos. Precisamente en esta zona el artista dispone de manera discreta, entre las piernas de un putti, el famoso monograma “AD” con el que firmaba sus obras.

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Alberto Durero

San Bartolomé, 1523, aguafuerte
Museu de Lleida – Depósito Antoni Gelonch
GE-832

Albrecht Dürer era hijo de un orfebre, pero llegó a convertirse en uno de los artistas europeos más importantes de su tiempo. En este grabado, que formaba parte de una serie dedicada a los apóstoles, Dürer representa a san Bartolomé como único protagonista de la escena con sus atributos característicos. El apóstol sostiene con su mano izquierda un cuchillo, símbolo de su martirio, mientras que con la mano derecha sostiene un libro, en alusión a su función evangelizadora. Con un magistral dominio de la técnica del aguafuerte, el artista consigue representar la figura de san Bartolomé con una gran monumentalidad en un espacio reducido, reproduciendo las texturas de las ropas, del rostro envejecido y del cabello, e incluso del tronco del árbol del fondo, mediante un uso muy hábil del sombreado. El grabado está firmado y fechado con el característico monograma “AD”, bien visible dentro de una cartela.

Melchior Meyer

Resurrección de Cristo, 1577, buril
Museu de Lleida – Depósito Antoni Gelonch
GE-722

Melchior Meyer fue un grabador alemán conocido por su talento en la representación de escenas bíblicas con gran calidad y dramatismo. En este grabado, Meyer representa el triunfo de Cristo sobre la muerte de una manera muy dinámica y espectacular. La majestuosa figura de Jesús, sentada sobre una gran nube, se eleva desde el sepulcro del que acaba de resucitar, con una potente aureola de luz detrás que refuerza la divinidad del momento. Mientras tanto, en el tercio inferior, cuatro soldados reaccionan de manera distinta ante el milagro: uno de ellos se protege de la súbita visión cubriéndose con el escudo con una mano y aferrando con fuerza una espada con la otra; otros dos soldados contemplan la escena desde el suelo y en tensión, a punto de defenderse; y, finalmente, un cuarto soldado duerme plácidamente, ajeno a todo lo que está sucediendo. El tratamiento cuidado de los cuerpos de los soldados, sus posturas muy estudiadas y el realismo de la anatomía evidencian una clara influencia manierista y anticipan el dinamismo de las composiciones barrocas.

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Adriaen Collaert

Jesús ante Anás, 1587, buril
Museu de Lleida – Depósito Antoni Gelonch
GE-729

Dibujante y grabador flamenco, Adriaen Collaert desarrolló una larga trayectoria en la ciudad de Amberes, donde destacó por la calidad de sus ilustraciones científicas. Aun así, una gran parte de su producción artística se centró en la temática religiosa, como en el caso de esta obra. En este grabado, Collaert representa la escena de la comparecencia de Jesús, impasible, ante el sacerdote Anás, con un hábil dominio de los puntos de luz. Este episodio, narrado en el evangelio de san Juan, se vinculaba tradicionalmente a la vergüenza y a la injusticia que sufrió el Hijo de Dios poco antes de su juicio ante Caifás. La composición está presidida por la figura de Jesús en el centro mismo de la escena, que la ilumina de manera profundamente dramática con su presencia en el instante previo a ser abofeteado por uno de los soldados. Un numeroso grupo de personajes se distribuye por todo el espacio: destacan un enano en el lado izquierdo sosteniendo un gran farol encendido, un grupo de cuatro personas que observa la comparecencia desde una tribuna y otras figuras que llegan por un pasillo fuertemente iluminado con sus antorchas encendidas.

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